Name: Tham Quan Triển Lãm—Nhìn Thấy Sự Im Lặng: Tranh của Helene Schjerfbeck | Triển Lãm Met (Exhibition Tour— Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck | Met Exhibitions)
Uploaded: 2026-01-08T14:49:50.000Z
Duration: 13 min 52 s
Description: Thousands of YouTube videos with English-Chinese subtitles! Now you can learn to understand native speakers, expand your vocabulary, and improve your pronunciation...

When you see these works, they have an emotional quality.

Khi xem những tác phẩm này, chúng có một chất lượng đầy cảm xúc.

Chúng gợi lên một cách rất tinh tế.

There is such a remoteness and otherworldliness, a silence in these pictures.

Có một sự xa xôi và siêu thực, một sự tĩnh lặng trong những bức tranh này.

You become part of a dialogue with these works that is really profound and it draws you in.

Bạn trở thành một phần của cuộc đối thoại với những tác phẩm này, một cuộc đối thoại thực sự sâu sắc và nó lôi cuốn bạn.

People see not so much themselves, they see states of being, states of sensibility that makes a very intimate relationship.

Mọi người không nhìn thấy chính mình nhiều, họ nhìn thấy những trạng thái tồn tại, những trạng thái nhạy cảm tạo nên một mối quan hệ rất thân mật.

Helm Schafberg is one of the great outstanding painters of the late 19th and especially the 20th century, who probably a lot of people have not yet heard of, but who is a national icon.

Helm Schafberg là một trong những họa sĩ kiệt xuất của cuối thế kỷ 19 và đặc biệt là thế kỷ 20, mà có lẽ nhiều người chưa từng nghe đến, nhưng ông là một biểu tượng quốc gia.

A celebrated painter in Finland and in Sweden, Elena Scharfbeck is the prize of Finland.

Là một họa sĩ nổi tiếng ở Phần Lan và Thụy Điển, Elena Scharfbeck là niềm tự hào của Phần Lan.

She was born in 1862 in Helsinki and died in Stockholm in 1946.

Bà sinh năm 1862 tại Helsinki và mất năm 1946 tại Stockholm.

From the time she was 11 years old, she was recognized as a prodigy.

Từ năm 11 tuổi, bà đã được công nhận là một thần đồng.

Scharfbeck started as a naturalist and then progressed to her own brand of modernism.

Scharfbeck bắt đầu với phong cách tự nhiên và sau đó phát triển thành phong cách hiện đại độc đáo của riêng mình.

She developed a style of painting all her own.

Bà đã phát triển một phong cách hội họa rất riêng.

Seeing Silence, the Paintings of Helen Schafberg really is the first major show of Helen Schafberg in the United States.

Seeing Silence, the Paintings of Helen Schafberg thực sự là triển lãm lớn đầu tiên về Helen Schafberg tại Hoa Kỳ.

This exhibition really introduces her to an American audience.

Triển lãm này thực sự giới thiệu bà đến với khán giả Mỹ.

It's also a fascinating story of an artist's journey and it's a sensation to have these works here in New York at the Mataborld Museum.

Đây cũng là một câu chuyện hấp dẫn về hành trình của một nghệ sĩ và thật tuyệt vời khi có những tác phẩm này ở New York tại Mataborld Museum.

We had in mind not to do a retrospective of Scharfbeck, but to condense the very finest masterpieces of her career into passages of her art which actually track her life story as well.

Chúng tôi không có ý định làm một buổi triển lãm hồi tưởng về Scharfbeck, mà là chắt lọc những kiệt tác xuất sắc nhất trong sự nghiệp của bà thành những đoạn nghệ thuật thực sự theo dõi câu chuyện cuộc đời bà.

There's often a lot of mystery in her work.

Thường có rất nhiều bí ẩn trong các tác phẩm của bà.

She is paring down her subjects to the simplest objects.

Bà đang giản lược các chủ thể của mình thành những đồ vật đơn giản nhất.

Các nhân vật không được cá nhân hóa.

Her technique is also idiosyncratic and extraordinary.

Kỹ thuật của bà cũng độc đáo và phi thường.

She has a limited palette, white, black, blue.

Bà có một bảng màu hạn chế, trắng, đen, xanh dương.

Her figures never stare at her as she paints them, nor does she stare at them.

Các nhân vật của bà không bao giờ nhìn chằm chằm vào bà khi bà vẽ họ, và bà cũng không nhìn chằm chằm vào họ.

The more spare they become, more and more enigmatic they become.

Càng giản lược, họ càng trở nên bí ẩn hơn.

You get a clear understanding of her development and growth.

Bạn có thể hiểu rõ sự phát triển và trưởng thành của bà.

From the very first paintings until the very final, spectral, searing, late self portraits, Scharfbeck was on her own path.

Từ những bức tranh đầu tiên cho đến những bức chân dung tự họa cuối cùng, đầy ám ảnh, rực lửa, Scharfbeck đã đi trên con đường riêng của mình.

She was a very quiet, remote, introspective woman.

Bà là một người phụ nữ rất trầm lặng, xa cách, nội tâm.

And yet she had fierce determination against all odds to pursue her painting.

Tuy nhiên, bà lại có một ý chí kiên cường phi thường để theo đuổi việc vẽ tranh của mình.

Nó đã định hình cuộc đời bà.

The exhibition begins with Scharfbek's first full scale paintings.

Triển lãm bắt đầu với những bức tranh khổ lớn đầu tiên của Scharfbek.

These are paintings that she made actually in Finland.

Đây là những bức tranh bà vẽ thực sự ở Phần Lan.

Và đây là một bức tranh lịch sử Phần Lan.

The subject is the death of a 16 year old count William Schwerin.

Chủ đề là cái chết của một bá tước 16 tuổi tên là William Schwerin.

He died in what is known as the Finnish War between Sweden and Russia.

Ông ấy đã chết trong cuộc chiến được biết đến với tên gọi Finnish War giữa Thụy Điển và Nga.

It's a very touching Very humane painting and so accomplished for an 18 year old.

Đây là một bức tranh rất cảm động, rất nhân văn và rất thành công đối với một người 18 tuổi.

It won a prize at the Finnish National Society Annual Exhibition and she then won a stipend from the government to travel to Paris.

Nó đã giành được giải thưởng tại Finnish National Society Annual Exhibition và sau đó bà đã nhận được học bổng của chính phủ để đến Paris.

She was conforming to an expectation to memorialize Finnish history, but it stands so far apart from her later work in Paris.

Bà đã tuân theo kỳ vọng ghi nhớ lịch sử Phần Lan, nhưng nó lại khác biệt hoàn toàn so với các tác phẩm sau này của bà ở Paris.

She was obviously responding to her teachers, but she's already working beautifully with light in terms of portraiture.

Rõ ràng là bà đang phản ứng với các giáo viên của mình, nhưng bà đã làm việc rất đẹp với ánh sáng trong các bức chân dung.

She is still individualizing her figure, but already here she's softening her strokes, she's adding color in areas that aren't necessarily descriptive but that are aesthetically pleasing to her.

Bà vẫn cá nhân hóa nhân vật của mình, nhưng ngay cả ở đây bà cũng đang làm mềm nét cọ, bà đang thêm màu sắc vào những khu vực không nhất thiết phải mô tả mà là những khu vực thẩm mỹ đẹp đẽ đối với bà.

And it has a lot of feeling, this painting, and it was painted in 1884 when she was 22.

Và bức tranh này có rất nhiều cảm xúc, và nó được vẽ vào năm 1884 khi bà 22 tuổi.

That is a remarkable fact that she was already so proficient at such a young age.

Đó là một sự thật đáng chú ý khi bà ấy đã thành thạo như vậy ở độ tuổi còn trẻ.

She was already manipulating her language to, as she said, seek the truth.

Bà ấy đã thao túng ngôn ngữ của mình để, như bà ấy nói, tìm kiếm sự thật.

Shafrak actually painted this in St. Ives, the picturesque coastal town in Cornwall, England.

Shafrak thực sự đã vẽ bức tranh này ở St. Ives, thị trấn ven biển đẹp như tranh vẽ ở Cornwall, Anh.

It was shown publicly in Helsinki on its completion, and it was damned by the press because they were looking for traditional landscape painting.

Bức tranh đã được trưng bày công khai ở Helsinki khi hoàn thành, và nó đã bị báo chí chỉ trích vì họ đang tìm kiếm những bức tranh phong cảnh truyền thống.

Nó được thực hiện rất, rất đẹp mắt.

If you look at the touches of color, she's reaching a level of abstraction already in 1883, presaging what is to come, of course, in later decades.

Nếu bạn nhìn vào những nét màu, bà ấy đã đạt đến mức độ trừu tượng ngay từ năm 1883, báo trước những gì sẽ đến, tất nhiên, trong những thập kỷ sau này.

In 1902, Scherfbeck moved from Helsinki to a small railroad town, Hyvinka, where she joined her widowed mother, essentially to look after her, which enabled Scherfbeck to leave the distractions of Helsinki and paint full time.

Vào năm 1902, Scherfbeck chuyển từ Helsinki đến một thị trấn nhỏ có đường sắt, Hyvinka, nơi bà ấy sống cùng mẹ góa của mình, về cơ bản là để chăm sóc bà, điều này cho phép Scherfbeck rời xa những xao nhãng của Helsinki và vẽ tranh toàn thời gian.

She was there with her mother until her mother died in 1923.

Bà ấy đã ở đó với mẹ cho đến khi mẹ bà ấy qua đời vào năm 1923.

To my mind, these figure paintings are among the most powerful and evocative of, as you said, a sensibility.

Theo tôi, những bức tranh hình người này là một trong những tác phẩm mạnh mẽ và gợi cảm nhất về, như bạn đã nói, một sự nhạy cảm.

She's continuing to hone her style and to render her language more and more spare.

Bà ấy tiếp tục trau dồi phong cách của mình và ngày càng thể hiện ngôn ngữ của mình một cách tinh tế hơn.

And I think they also keep a certain distance from you as a viewer.

Và tôi nghĩ chúng cũng giữ một khoảng cách nhất định với bạn với tư cách là người xem.

You almost like, approach them while they are still immersed in their own spiritual sphere.

Bạn gần như tiếp cận chúng khi chúng vẫn đang đắm chìm trong thế giới tâm linh của riêng mình.

And I think that actually makes them also so accessible.

Và tôi nghĩ điều đó thực sự khiến chúng cũng trở nên dễ tiếp cận như vậy.

You're part of, I would say, an emotional bond and the reflection that you have on yourself with it.

Bạn là một phần của, tôi có thể nói, một mối liên kết cảm xúc và sự suy ngẫm mà bạn có về bản thân mình với nó.

These are not portraits, these are figure paintings.

Đây không phải là chân dung, đây là tranh hình người.

Và bà ấy sử dụng ánh sáng thật đẹp.

And that she does from her very early years, actually, she used local sitters, but she was, of course, using her knowledge of art history and also applying her deep training in different techniques to create work that is quite connected with artistic developments both of the time as well as of the past.

Và điều đó bà ấy đã làm từ những năm đầu đời, thực ra, bà ấy đã sử dụng những người mẫu địa phương, nhưng tất nhiên, bà ấy đã sử dụng kiến thức về lịch sử nghệ thuật của mình và cũng áp dụng quá trình đào tạo sâu sắc của mình về các kỹ thuật khác nhau để 

This painting, the Les scholes, dates to 1920, when Scherfbeck was actually in a picturesque coastal village called Thomassari, the Sitter is Sigrid Nyberg, who was her landlady in her boarding house.

Bức tranh này, Les scholes, có niên đại năm 1920, khi Scherfbeck thực sự ở một ngôi làng ven biển đẹp như tranh vẽ tên là Thomassari, người mẫu là Sigrid Nyberg, người chủ nhà trọ của bà.

She typically recruited anyone from the community, wherever she was, to pose for her.

Bà ấy thường tuyển dụng bất kỳ ai trong cộng đồng, dù bà ấy ở đâu, để làm mẫu cho mình.

It's a striking painting in and of itself, but it's also a very telling example of her idiosyncratic style, developed at mid career, where she would add subtract paint layers from her canvas, using a palette knife and stylus to actually remove paint to the point where she was often actually exposing the weave of the canvas.

Đây là một bức tranh ấn tượng tự thân nó, nhưng nó cũng là một ví dụ rất đáng nói về phong cách độc đáo của bà, được phát triển ở giữa sự nghiệp, nơi bà sẽ thêm bớt các lớp sơn trên toan, sử dụng dao pha sơn và bút stylus để thực sự loại bỏ sơn đến mức bà

So this one is actually one of the most elaborate in regard to using different techniques.

Vậy nên, bức tranh này thực sự là một trong những bức cầu kỳ nhất về mặt sử dụng các kỹ thuật khác nhau.

It is a work that depicts a sitter, but actually depicts a modern woman.

Đây là một tác phẩm khắc họa người mẫu, nhưng thực chất là khắc họa một người phụ nữ hiện đại.

And I think that that's also important to see that Helen Schafberg as an artist was development of the modern woman.

Và tôi nghĩ điều đó cũng quan trọng khi thấy rằng Helm Schafberg, với tư cách là một nghệ sĩ, đã phát triển hình ảnh người phụ nữ hiện đại.

I think she wanted to paint a certain prototype of a woman.

Tôi nghĩ bà ấy muốn vẽ một nguyên mẫu phụ nữ nhất định.

There's a certain power, actually, I think, in her expression.

Có một sức mạnh nhất định, thực sự, tôi nghĩ, trong biểu cảm của bà ấy.

So the severity, or what we now see as a strong expression, that I think is very intentional and powerful for us, of course, a great and important acquisition.

Vậy nên, sự nghiêm nghị, hay cái mà giờ đây chúng ta coi là biểu cảm mạnh mẽ, tôi nghĩ là rất có chủ ý và mạnh mẽ đối với chúng ta, tất nhiên, là một sự bổ sung tuyệt vời và quan trọng.

And it is the very first painting of Helen Schafberg in an American collection.

Và đây là bức tranh đầu tiên của Helm Schafberg trong một bộ sưu tập của Mỹ.

Đối với chúng tôi, đó là một cơ hội tuyệt vời.

In this gallery, we deviate from chronology rather, I've decided to put the landscapes and paintings that sort of speak to each other in terms of her actual aesthetic.

Trong phòng trưng bày này, chúng tôi đi lệch khỏi trình tự thời gian, tôi đã quyết định đặt những bức phong cảnh và tranh vẽ có sự tương đồng với nhau về mặt thẩm mỹ thực tế của bà ấy.

So we have some landscapes from Fiesole, the hill town outside Florence, a painting evocative of Renaissance pictures.

Vì vậy, chúng tôi có một số bức tranh phong cảnh từ Fiesole, thị trấn trên đồi bên ngoài Florence, một bức tranh gợi nhớ đến những bức tranh thời Phục hưng.

And then on this wall, we have only five still lifes in the exhibition.

Và rồi trên bức tường này, chúng ta chỉ có năm bức tĩnh vật trong triển lãm.

She didn't paint still lifes to the extent that she did figure paintings.

Bà ấy không vẽ tĩnh vật nhiều như tranh chân dung.

But this gives you a microcosm of the evolution of her aesthetic over time.

Nhưng điều này cho bạn thấy một bức tranh thu nhỏ về sự phát triển thẩm mỹ của bà ấy theo thời gian.

Very beautifully brushed, very softly painted, very mainstream, I would say.

Được vẽ rất đẹp, rất nhẹ nhàng, rất phổ biến, tôi có thể nói vậy.

But here we are marching forward in time to 1930, where she's using a very dry pigment, which you'll see in several of these paintings.

Nhưng ở đây chúng ta đang tiến về phía trước theo thời gian đến năm 1930, nơi bà ấy đang sử dụng một loại bột màu rất khô, bạn sẽ thấy điều này trong một số bức tranh này.

She's outlining her pears with a very strongly delineated black line.

Bà ấy đang phác thảo những quả lê của mình bằng một đường nét đen được xác định rất rõ ràng.

Và bà ấy đang cạo đi lớp sơn trên toan vẽ của mình.

And here you have an entire passage of canvas that's been scraped down to the bone.

Và ở đây bạn có cả một đoạn toan vẽ đã được cạo sạch đến tận cùng.

Here your eye really recognizes what she's doing with her paint.

Ở đây mắt bạn thực sự nhận ra những gì bà ấy đang làm với màu vẽ của mình.

And she's creating this very energetic, textured surface here, where the objects sort of lose clarity, lose geometry, lose form.

Và bà ấy đang tạo ra một bề mặt rất năng động, có kết cấu ở đây, nơi các vật thể dường như mất đi sự rõ ràng, mất đi hình học, mất đi hình dạng.

The painting is a sort of pulsating example of her use of bright color, which one rarely sees elsewhere in her work, in the growing abstraction of even a still life.

Bức tranh là một ví dụ sống động về cách bà ấy sử dụng màu sắc tươi sáng, điều mà hiếm khi thấy ở những tác phẩm khác của bà, trong sự trừu tượng hóa ngày càng tăng ngay cả của một bức tĩnh vật.

She's as far removed from Paul CEZANNE as you could be at this point.

Bà ấy đã xa rời Paul CEZANNE hết mức có thể vào thời điểm này.

And here, this is a further example of the dissolution of form, the absence of geometry.

Và ở đây, đây là một ví dụ khác về sự tan biến của hình dạng, sự vắng mặt của hình học.

And one is struck by this black apple, considered by some as metaphorical, given the fact it was painted in 1944, in the worst years of World War II.

Và người ta ấn tượng bởi quả táo đen này, được một số người coi là ẩn dụ, xét đến việc nó được vẽ vào năm 1944, trong những năm tồi tệ nhất của Thế chiến II.

Những quả táo này không có khối lượng.

The shadow is just as prominent as the apple itself.

Bóng đổ cũng nổi bật như chính quả táo.

It's a fascinating abstraction, as a simple still life image goes.

Đó là một tác phẩm trừu tượng hấp dẫn, đối với một hình ảnh tĩnh vật đơn giản.

In 1915, Scherfbeck's dealer, Gosta Stenman, introduced a young forester called Einer Reuter.

Năm 1915, người buôn bán của Scherfbeck, Gosta Stenman, đã giới thiệu một kiểm lâm trẻ tên là Einer Reuter.

He was 18 years younger, and I think the love was a deep emotional attachment.

Anh ấy kém bà 18 tuổi, và tôi nghĩ tình yêu đó là một sự gắn bó sâu sắc về mặt tình cảm.

Each had a great passion for art, and so they were intellectually and emotionally very much in tune with one another.

Mỗi người đều có niềm đam mê lớn với nghệ thuật, và vì vậy họ rất hòa hợp với nhau cả về trí tuệ lẫn tình cảm.

Và bà ấy chỉ yêu quý anh ấy thôi.

She wrote him hundreds and hundreds of letters in her lifetime.

Bà đã viết cho anh ấy hàng trăm lá thư trong suốt cuộc đời mình.

At a certain moment in time, he married and she had a nervous breakdown.

Vào một thời điểm nào đó, anh ấy đã kết hôn và bà ấy bị suy nhược thần kinh.

She was devastated, so she clearly wished for more of him and she painted several portraits of him.

Bà ấy đã suy sụp, vì vậy rõ ràng là bà ấy mong muốn có nhiều hơn ở anh ấy và bà ấy đã vẽ nhiều bức chân dung về anh ấy.

This one she amusingly titled the Sailor.

Bức này bà ấy đặt tên một cách hài hước là Thủy thủ.

He was no sailor, but it was painted in this coastal town, Thomassari, where they actually spent two weeks together, painting one summer.

Anh ấy không phải là thủy thủ, nhưng bức tranh được vẽ ở thị trấn ven biển này, Thomassari, nơi họ thực sự đã dành hai tuần bên nhau, vẽ tranh vào một mùa hè.

Tham Quan Triển Lãm—Nhìn Thấy Sự Im Lặng: Tranh của Helene Schjerfbeck | Triển Lãm Met (Exhibition Tour— Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck | Met Exhibitions)